《牡丹亭》剧照

　　《临川四梦》剧照

　　【文艺院团保留剧目巡礼】

　　 昆曲被誉为“百戏之师”，百年至今已有六百多年历史，水磨其婉转悠扬的当代水磨腔、典雅精致的回响文学性和程式化的表演体系，对中国戏曲的百年发展产生了深远影响。2001年，水磨昆曲被联合国教科文组织列为首批“人类口头和非物质遗产代表作”。当代

　　在这一珍贵非遗的回响当代传承中，上海昆剧团扮演着重要角色。百年成立47年来，水磨上海昆剧团以“传统剧目、当代改编剧目、回响新编剧目”三并举为建设方针，百年挖掘、水磨演出近300出昆曲精品传统折子戏和70部整本大戏。当代近年来，剧团秉持“继承经典、演绎经典、打造经典、传播经典”的理念，先后创排《临川四梦》、四本《长生殿》、全本《牡丹亭》等经典剧目，并进行海内外巡演，获得广泛赞誉。当杜丽娘的水袖在现代剧场划出优雅弧线，当唐明皇的唱词在年轻观众心中激起层层回响，我们不禁思考：这些经典剧目何以跨越时空，在不同代际的观众中持续引发情感共鸣？

　　守正 让经典呈现本真魅力

　　 明末清初戏剧家李渔曾提出“本质如常，新而善变”，即戏曲艺术要守住精神内涵，变其表现形式。这一理念在当代艺术实践中体现为“守正创新”。对于上海昆剧团，所谓“守正”，首先是对昆曲表演体系的传承和剧目原著精神的坚守。建团以来，上昆对经典剧目的演绎不断精益求精：《牡丹亭》从1982年版到2022年全本55出，历经十余次修改与提升；《长生殿》从1987年版到2017年四本巡演，先后打造五次。2016年，更是首次完整呈现汤显祖的《临川四梦》。在改编过程中，或选取关键场次串联为单本或上下本，或保留较多甚至全部出目，力求还原原著精神风貌。其中，上昆举全团之力重现的全本55出《牡丹亭》，最为引人瞩目。

　　 排演全本《牡丹亭》时，上昆坚持“一出不少”“只缩不增”两大原则，力求使观众重新发现《牡丹亭》全貌的精彩。

　　 过去，昆曲舞台上的《牡丹亭》多将剧情结束于“闹殇”（杜丽娘为情而死）或“回生”（杜丽娘因情复活）折目，呼应汤显祖“情不知所起，一往而深，生者可以死，死可以生”的“情至”主题。然而，杜丽娘还魂重返人间后，如何面对现实社会的重重考验？没有“父母之命，媒妁之言”，她的婚姻能否被当时社会承认？柳梦梅掘墓开棺依律当判死罪，又将如何应对？原著“回生”之后的二十出戏，正是对这些现实难题的回应。因为保留了原著的所有折目，全本《牡丹亭》让观众得以看到了金殿之上，男女主人公如何为婚姻合法性奋勇抗争，最终实现“生同室，死同穴”的情爱理想。这份至情至性，即便跨越四百年时光，依然深深打动人心。

　　 “只缩不增”并非简单的文本精简，而是要务求在精简基础上最大限度保存原著结构与精神意蕴。早在汤显祖时代，《牡丹亭》便成为文人改编的对象，如冯梦龙改本《风流梦》将原著55出删减、合并为37出，并将柳梦梅的“梦中人”与“画中人”意象合而为一，以强化戏剧性。相比之下，上昆全本《牡丹亭》坚守汤显祖的人物设定与精神脉络。原著中的柳梦梅并非扁平化的“情圣”，其性格具有深刻的复杂性：既有“痴情”的理想色彩，亦不乏“打秋风”等现实境遇中的世俗姿态。全本通过完整呈现人物在理想与现实之间的抗争，使柳梦梅的形象更为丰满立体，不仅让其情感轨迹更具层次，也深化了作品对明代文人生存状态的折射。

　　 全本《牡丹亭》对原著精神的忠实还原，还体现在首次大量运用“集唐诗”。原著共有69首集唐诗，演出中保留了47首。所谓“集唐”，即集取唐人诗句，重新组合成诗。这些诗句并非简单的文学点缀，而是与每一出的前后剧情紧密呼应。例如《寻梦》结尾的“武陵何处访仙郎？只怪游人思易忘。从此时时春梦里，一生遗恨系心肠”，既精准刻画杜丽娘的心理，又为后续情节埋下伏笔。起初，主创团队曾担心角色吟诵这些集唐诗，是否会让观众“出戏”，但实际演出效果很好。只因这些诗句与剧情高度契合，不仅未造成隔阂，反而在每出结尾营造出独特意境，使观众获得更多共鸣。

　　创新 使传统艺术契合当代审美情趣

　　 传统经典要活在当下，需在“守正”的前提下，创新表现形式，契合当代观众的审美情趣。上昆推出的全本《牡丹亭》、四本《长生殿》及《临川四梦》系列，正是“守正创新”理念的生动诠释。

　　 其一，优化观演节奏，强化戏剧张力。这些作品格外注重戏剧结构的冷热调剂与舞台氛围的动静结合。全本《牡丹亭》除了杜柳的爱情主线，编导保留并展现了近20出喧闹热烈的场次。其中有像《骇变》《诇药》等刻画陈最良、石道姑等配角人物的场次，令人捧腹；也有如《淮警》《御淮》等刀枪并举、锣鼓喧天的武戏场面，扣人心弦；更有《劝农》这样展现古代田园民俗的场景，拉近水磨雅韵与市井烟火的距离。同样，四本《长生殿》从洪昇原著50出中精选43出，压缩调整为《钗盒情定》《霓裳羽衣》《马嵬惊变》《月宫重圆》四本，并创新引入宫廷乐师李龟年作为“故事讲述者”，在每本之间承上启下，结尾留有悬念，引人入胜。该剧在李杨爱情主线之外，强化了“安史之乱”这条副线，以社会历史的跌宕反衬个人命运的浮沉，为全剧在抒情主基调之外平添了更多戏剧张力。而《临川四梦》连续四天的演出编排本身，就是一种节奏创新：首日《邯郸记》以老生挑梁、次日《紫钗记》生旦并重、三日《南柯记》由青年担纲、末日《牡丹亭》以老中青三代同台，让观众在四天中完整体验汤显祖笔下“仙、侠、佛、情”的多重世界与昆剧艺术的千姿百态。

　　 其二，深化舞台表演，实现古典新绎。将数百年前的文本立上舞台，并使其既古雅又鲜活，有赖于导演和演员对舞台表演的再度创作——行话称为“捏戏”。这是一个极具挑战性的过程，上昆的艺术家们凭借深厚的积累，为每一出戏精心打磨，确保每折皆有看点。在四本《长生殿》中，《舞盘》一折的“霓裳羽衣舞”在戏曲程式基础上，融入了敦煌壁画元素，尽显西域风情，而饰演唐明皇的演员亲自击鼓的场面也是“只上昆一家”；《进果》运用了类似电影“蒙太奇”的手法，将传递荔枝的驿卒飞奔与沿途踩踏庄稼的场面同台呈现，以强烈的对比揭示封建社会矛盾；《合围》则从唱词“一壁厢把足驾雾的金獒逐路拦”汲取灵感，让四位演员扮演“猎犬”，结合筋斗功夫，烘托出叛军蠢蠢欲动的紧张局势。即便是《疑谶》《哭像》等经典折子戏，也进行了修改提高。尤其是《哭像》的结尾，传统的演法是唐明皇唱完【煞尾】，全体宫女太监一同跪下闭幕。导演建议让宫女太监先行退下，舞台上只留下唐明皇一人，在一片空寂之中，他独自对着杨贵妃的雕像倾尽哀思，最终灯光在无尽的悔恨与孤寂中缓缓收束。这一处理，将人物的悲痛与孤独感推向高潮，极具现代剧场感染力。

　　 其三，营造简雅之境，激活古典美学。在舞美创作上，上昆始终坚持以表演为中心，追求视觉语汇的凝练与当代审美的创新。《临川四梦》所采用的“四梦一景”便是典范。舞台以清代古书画元素为背景，通过巧妙的空间布局与多组变化设计，让静态的古书画与动态的昆曲表演互为映照、和谐共生，使观众充分感悟汤翁“四梦”的精神价值和核心思想。这种轻便化、写意化的舞美风格，既凸显了昆曲艺术虚实相生的美学特质，也为剧目的大规模巡演提供了极大便利。

　　传承 实现从技艺到精神的薪火相传

　　 从“传”字辈艺术家与京昆大师俞振飞，到“昆大班”“昆二班”的国宝级名家，再到承前启后的“昆三班”，乃至如今渐挑大梁的“昆四班”“昆五班”青年一代，上昆几乎每位演员都参与过全本《牡丹亭》、四本《长生殿》、《临川四梦》等经典剧目的演出。而能否将这样的鸿篇巨制完整搬上舞台，也是衡量一家戏曲院团综合实力的重要标杆。这些经典作品不仅是院团的“看家戏”，更是一部活态的传承史。

　　 在上昆众多保留剧目中，《牡丹亭》排演的版本最多、演出频率最高。从最早蔡正仁、张洵澎传承的俞言版（俞振飞、言慧珠版），到1982年华文漪、岳美缇版，1993年梁谷音、蔡正仁版，再到1999年三本版、2002年上下本版、2008年传统版，直至2022年全本55出，每一版都是昆曲与时代的对话，也是经典艺术生命的延续。尤其是2022年全本《牡丹亭》，全部由青年演员担纲，老艺术家作为主创团队退居幕后倾囊相授，实现了有序的“传帮带”。

　　 传统戏既考验演员基本功，更考验他们对人物与文本的深刻解读。作为昆剧大家，蔡正仁、岳美缇依然不辞辛苦，逐句为青年小生胡维露说戏；张静娴一招一式，为罗晨雪剖析杜丽娘的身段与心境；计镇华和刘异龙为年轻演员提炼出“杜宝”和“石道姑”的表演精髓。这种基于行当规范的口传心授，不仅是技艺的传递，更是艺术理解与表演精神的延续，是“真经”的传承。

　　 在这一机制下，青年演员通过不断磨砺与实践，不断深化对角色内涵的理解，艺术表现力得到全面提升。2023年，罗晨雪和胡维露凭借全本《牡丹亭》分别获得第31届中国戏剧梅花奖和第31届上海白玉兰戏剧表演艺术奖主角奖，展示出上昆在传承创新和出人出戏方面的扎实成果。

　　 经典与时代相会，古老与青春交响，全本《牡丹亭》中“情不知所起，一往而深”的至情至性，四本《长生殿》里“天长地久有时尽”的苍凉遗恨，《临川四梦》中“人生如梦”的哲学思考，在一代代艺术家的传承与演绎中熠熠生辉。上昆人以舞台为舟，以唱念做打为桨，载着戏曲精粹的审美意蕴与生命哲思，与一代代观众相遇，并共同驶向未来。

　　 （作者：俞霞婷，系上海昆剧团艺术创研部副主任、二级编剧）

　　本版图片均由上海昆剧团提供